UN HOMBRE DE NUESTRO TIEMPO

Enmanuel Marre, Belgica, 155 Min. 2026 

TEATRO CARRIÓN, SEMINCI, Drama, 

Premio a Mejor Actor en SEMINCI a  Swann Arlaud por “su extraordinaria capacidad para retratar a un hombre impulsado por la ambición y el idealismo y su interpretación sutil y profundamente convincente que revela las contradicciones y los compromisos morales de un hombre corriente atrapado en tiempos oscuros”. Y Premio a Mejor Dirección de Fotografía en SEMINCI a Oliver Boonjing por “su capacidad para retratar con gran elegancia u tiempo pasado mediante un lenguaje dinámico y contemporáneo en el que pasado y presente se superponen visualmente, acercando la historia y sus personajes a los códigos narrativos actuales” 

Película extra larga. En la Francia ocupada de 1940, Henry Marre (bisabuelo del director de la pelicula) acude a la corte del Mariscal Petain, en Vichy, sin un céntimo, sin conocer a nadie, para hacer carrera, con su autopublicado libro titulado “Notre Salut”, que podría traducirse como “Nuestra Salvación” en el que defiende sus convicciones patrióticas y sus métodos como ingeniero para lograr la eficiencia del Estado y sacar a Francia del desastre. Consigue colarse en la administración como gestor para bajar el paro y para orientar el mercado laboral llevando la mano de obra a sectores críticos. Esta primera parte de la película esta conducida por la voz en off de su mujer leyendo las cartas que se escriben desde que se fue de Paris, donde sigue su mujer con sus tres hijos. 

El uso de la canción Life is Life de Opus subraya la necesidad de aprovechar la oportunidad, que es donde se instala Henry empezando por “hacerse” con la casa de una familia aristócrata judía para reagrupar a su familia en Vichy.

La segunda parte continua con sus tratos con los alemanes en la defensa de la “prioridad nacional” para que no vayan obreros franceses a trabajar a Alemania y en su lugar vayan españoles y portugueses que intercambian por presos franceses. Y de día en día aumenta el grado de colaboración con la Alemania nazi hasta financiar el trasporte de presos judíos desde Francia a los campos de exterminio alemanes.

Exceso de metraje, exceso de personajes y exceso de diálogos para un repaso histórico que queda desdibujado en medio de todo ello.

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LA LIBERTAD DOBLE

Lisandro Alonso, Argentina,100 Min. 2026 

TEATRO CALDERON, SEMINCI, Vida rural, 

Premio a la Mejor Dirección en la SEMINCI. El jurado ha destacado su “convicción cinematográfica y su capacidad para transformar el lenguaje contemplativo en una experiencia cómplice”.

25 años después de La Libertad, retoma a su personaje protagonista Misael, que sigue viviendo en la Pampa, en el mismo chamizo entre los árboles que limpia y corta. En esta segunda parte se ve obligado a recoger a su hermana del asilo donde está ingresada, de ahí el “doble” del titulo. Alonso cifra la libertad en necesitar poco y vivir al margen de las convenciones. Graba el trabajo de Misael día a día mostrándolo casi como una masterclass de leñador. El naturalismo documental de Lisandro dirige sin intervenir, sin mover casi la cámara, como dice Victoria M. Niño en El Norte de Castilla “sin guión, sin acción, con escasos diálogos, sin ni siquiera musica, sólo los pájaros, los grillos y la motosierra… Los parámetros estéticos de Alonso casan más con la impresión que con la narración, para lo cual apenas mueve la cámara”. El contexto político sólo aparece en el cierre por falta de medios del asilo donde cuidan a su hermana Micaela con discapacidad mental. 

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YESTERDAY THE EYE DIDN´T SLEEP

Rakan Mayasi, Líbano, 100 Min. 2026 

FUNDOS VALLADOLID, Seminci Punto de Encuentro, casi-documental, 

Ópera prima del palestino Mayasi, que nos ofrece este largometraje ambientado en las aldeas beduinas del Valle de Beca en el Líbano frontera con Siria.  Se inicia el film con un coche en llamas al que un zoom nos va acercando de forma temerosa. Poco después un joven mata de manera fortuita en un accidente de coche a otro chico. Estos dos incidentes tienen consecuencias fatales para las familias de los considerados “culpables”, en especial para las mujeres/hermanas que son perseguidas y/o casadas con quienes decidan los jeques. Las jovenes sufren las consecuencias de estas costumbres ancestrales que deciden su futuro sin respetar su voluntad. 

Le precedió un corto Trompetas en el cielo filmado en el mismo lugar. La inspiración fue la historia de una chica de 14 años obligada a casarse. Corto y largo son continuación y siguen un mismo lenguaje visual, sin guión y con interpretes no profesionales. El Director nos cuenta que el objetivo de ambos es cuestionar y observar la tradición. “Como palestino no quiero centrarme en la ocupación israelí, no forma parte de mi narrativa, pero muestro la opresión sin verla, solo con el sonido de los helicópteros, las explosiones, los drones que se oyen de continuo mientras la imagen muestra la vida cotidiana; toda la violencia está fuera de cámara, incluso el accidente de coche”. El director de fotografía también responde a los movimientos de cámara poco usados hoy día, “partimos de la metáfora de hacer una receta de cocina, vivimos muchos días con la familia protagonista y de ir al mercado a comprar los ingredientes, vas conociendo olores, combinaciones de colores, pátinas, texturas, y cuando vas a cocinar la película, de forma orgánica, ya tienes el tipo de imagen que buscas, los tipos de lente y los movimientos de cámara: slow, stop-Motion, zoom y distorsiones con efecto psicodélico”. 

Imágenes poéticas de la vida cotidiana y sus paisajes que nos muestran la lucha entre deseo, tradición y obediencia en una comunidad donde las mujeres siguen sin poder decidir sobre su propia vida. 

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UN HOMBRE EN UN PUENTE

David Martin de los Santos, España, 116 Min. 2026 

TEATRO CALDERÓN, SEMINCI, SO Fuera de concurso, 

Película rodada en Castilla y León. Un hombre “de negocios” , Andrés (Roger Casamajor) es ahora un sin techo que vive con todo apilado en cajas en su Mercedes familiar, huyendo de Madrid tras perder su negocio inmobiliario iniciado por un soplo de un concejal corrupto que luego fue encausado, y también su matrimonio y su hogar. 

Es el inicio de la pandemia y Andrés tiene que buscar una casa donde vivir porque no se puede dormir en el coche en la calle. Rebusca entre sus contactos por ver si alguien se ofrece a alojarlo pero todos sus conocidos le vuelven la espalda. Decide largarse de Madrid y se dirige a su pueblo natal, Cervera de Pisuerga, y allí recurre a viejos amores, colegas e incluso a su hermano, a los que “olvidó” desde que salió del pueblo. Unos y otros fueron reprochándole los pufos emocionales y económicos que había dejado atrás y así fuimos descubriendo la catadura moral de este “estafador habitual”. El puente que salvará a Andrés es una inmigrante peruana sin papeles Liliana (Nidia Bermejo) y que lo acoge en su casa y en su vida. Aunque el final es un poco abierto, las previsiones son, una vez más, ejemplos del arte de Andrés de buscarse la vida sin trabajar y engañando al que “se deja”.

 Película sencilla, lineal, un tanto larga para lo que cuenta. 

ISABEL

Gabe Klinger, Brasil,85 Min. 2026 

FUNDOS VALLADOLID, SEMINCI Punto de Encuentro, GOURMET, Sumiller.

Gabe asume el guión con la actriz protagonista, Marina Person, que encarna a Isabel, una sumiller en un restaurante de renombre en São Paulo, una mujer luminosa y llena de energía y vitalidad. Vino y biografía van a la par en la película, que el vino sea fiel a su terroir y en bodega no distorsionen su propia expresión, y dejar una vida de imposiciones en el restaurante para poder llevar un negocio propio y poder tomar las riendas de su vida.  Una botella, una manera de entender el mundo, desde los vinos naturales brasileiros hasta la Peverella traída por la inmigración italiana. Una lucha que no termina con falsas alegrías ni finales felices sino con una celebración de la conversación y el placer de compartir, y quedan los buenos momentos en que vinos naturales brasileños y bossa nova y blues navegan juntos. 

En el coloquio con el director nos fue desgranando detalles como estos, importantes para disfrutar mas de la película: “Filmado en 16 mm con cámaras y lentes usados por Walter Sales. Película imperfecta como los vinos brasileños que proponen cosas extraordinarias. El mensaje es emprender y el final es el fracaso, perdemos el contacto con lo rechazado, os rejeitados. El vestuario de Isabel está sacado de su propio armario, y es colorista para ocultar la tristeza que arrastra y para la fiesta eligieron un vestido dorado que semeja el mundo que deseamos, aún sin saber en que tipo de fiesta acabaría compartiendo sus botellas de rejeitados en plena calle con los vecinos del barrio que iban pasando por allí. 

EVERYTIME 

Sandra Wollner, Austria, 124 Min. 2026 

TEATRO CERVANTES, Seminci, Familia, 

Precandidata al Oscar por Alemania y Premio en Cannes de la sección Un Certain Regard, por, según el Jurado, presentar “La mayor vocación de experimentar con la imagen cinematográfica”. Premio a Mejor Guión en la SEMINCI a Sandra Wollner por su “creativa exploración del duelo y la memoria en un mundo mediado por la tecnología digital y su indagación sutil y perturbadora sobre como la pérdida transforma nuestra percepción del tiempo y de la realidad”

Se presenta en dos partes, la primera en Berlín los dos días anteriores al viaje de vacaciones de una madre Ela (Birgit Minichmair) y sus dos hijas a Canarias. La noche anterior, la hija adolescente, Jesse se escapa de casa para ir de fiesta con su novio Lux (Tristán Lopez) y acaban en la azotea de un alto edificio antes de amanecer. Jugando con la luz del sol, Lux se queda dormido y Jesse jugando al zoom con el móvil cae al vacío. Un año después todos descubren que el duelo está pendiente. Y Ela toma una repentina decisión, hacer el viaje pendiente con su hija pequeña y Lux, en lugar de Jesse, a Tenerife. 

Una madre, una hermana y un novio que lidian con una inmensa perdida. Un día en que el sol no se pone ocurrente fenómenos extraños y la película se torna fantástica. Tan sutil que a veces es difícil discernir los deseos y los pensamientos de la realidad. El peso del trauma en una familia marcada por la muerte prematura de la hija adolescente al tiempo que se mueve en los limites entre el mundo objetivo y una experiencia alternativa de la realidad.

Retrato preciso y debastador del duelo y un estudio muy bien calibrado de una muerte prematura y sus consecuencias. Formidable control formal para una delicada historia sobre duelo y recuperación que no resuena hasta que al final lo hace a lo grande. 

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DAO

Alain Gomis, Senegal, 185 Min. 2026 

TEATRO CERVANTES, SEMINCI, Inmigración, 

Espiga de Oro en la SEMINCI. El jurado ha destacado su “singular forma cinematográfica, en la que el ritmo, la duración y el movimiento crean una atmósfera a la vez íntima e inmersiva”; el fallo subraya que el extraordinario logro de la película reside en “evocar un espacio libre, abierto y poroso, entre la ficción y el documental en el que lo personal y lo colectivo, lo visible y lo sensible resuenan con una intensidad hipnótica”. 

Dao hace referencia a un movimiento perpetuo que en este caso une tradición y modernidad. Un movimiento circular continuo que enmarca la realidad.  

Gomis comenta que la película surge de “una de sus ceremonias familiares y quiere compartir la experiencia de una ficción colectiva donde cada espectador se de cuenta de lo que pasa en la película y qué clase de personaje querría interpretar, por eso al principio se muestran escenas del casting. Y luego combina la participación de actores profesionales con los no profesionales, viendo como se integran en la vida social”. 

Se mueve de forma continua entre el funeral del padre de Gloria (Kathy Correa) en Guinea Bissau y la boda de su hija Nour en la periferia de Paris, desplazándose inquieta entre Europa y África, entre la ficción y la realidad, entre lo individual y lo universal. Una saga familiar extensa, fascinante, a veces hipnotizante. Funciona como una puesta en escena de deseos, conflictos y situaciones de la vida real que director e intérpretes construyeron de un modo comunitario. Un crisol de gestos, miradas y conflictos. En lo documental, sea falso o no, está lo mejor de la película. 

Una lección magistral etnográfica sobre un poblado de Guinea Bissau, una exploración de la identidad postcolonial. Un largometraje libre y transcontinental, con una mirada muy personal. Una burlona deriva ente realidad y experimento.

“El viaje de 3 horas garantiza una experiencia inmersiva con el objetivo de que la gente lo vea y se pierda sin poder predecir por donde nos va a llevar, siento que en la vida nos falta ese tiempo y ese espacio donde podemos dialogar con nosotros y con quien nos rodea… me gustaría que los espectadores encuentren en qué puntos han conectado con los protas de DAO. Quiero un mundo con la calidez que ofrece estar juntos y decirnos los unos a los otros, mi casa es tu casa.” 

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CARTAS DE ESTADO

Ilker Catak, Alemania, 128 Min. 2026 

TEATRO CALDERON, SEMINCI, Familia, 

Oso de oro en Berlin. El director, Catak, turco-alemán rueda en Alemania lo que quiere contar de la Turquía gobernada por Erdogan, que no respeta la libertad de expresión entre los derechos fundamentales. La cancelación de una obra de teatro es el detonante de la nueva vida de Aziz, el dramaturgo, y la actriz protagonista Derya. Trabajan en el Teatro Nacional y en la Universidad de Ankara, pero en cuestión de horas reciben “cartas amarillas” del estado en las que se les priva de sus puestos. La razón inicial es que han participado en manifestaciones contra el genocidio de Palestina. Catak rueda en Berlín como si fuera Ankara y en Hamburgo como si fuera Estambul. Explicita con la moneda Euros y los lemas alemanes en los edificios públicos, que su representación, su película, no tiene sitio en la Turquía actual. La familia se ve obligada a mudarse a la casa de la madre de Aziz en Estambul por la falta de ingresos. Y los conflictos se van acentuando incluyendo los conflictos entre la pareja, de sus egos, y con su hija adolescente. 

El film es la escenificación de su caso. Es el espejo de su denuncia. Para los protagonistas el teatro es su expresión política.  El juicio moral pesa en sus guiones que dibujan a sus protagonistas a través de las opiniones de su entorno. 

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WE ARE ALL STRANGERS

Anthony Chen, Singapur, 158 Min. 2026 

TEATRO CERVANTES, Paternidad, Familia,

Tercera de la trilogía de Chen sobre Singapur, que une en la misma casa a dos parejas de dos generaciones obligadas a convivir en un pequeño espacio. Dos amores, el amor adolescente romántico inconsciente y el amor adulto amable y lleno de ternura. Esta saga familiar no es un film fácil ni sentimentaloide, encuentra en el cuidado una forma de reconocerse. Filmada entre barrios populares y el brillo de la ciudad trata con sensibilidad extraordinaria los gestos cotidianos cuando todo amenaza con romperse. 

Un reflejo de la compleja sociedad Singapuresa formada por comunidades como la malasia o la china poco dadas a mezclarse, esa especie de clase trabajadora, bajo la clase alta de los singapureses que se rige por unas leyes de inmigración restrictivas, sobre el derecho a la vivienda por ejemplo. Aun hay mas pobres que ellos pero no aparecen en el film. 

El desbordamiento económico de las últimas décadas en Singapur; cambios en el modelo de familia, en el entorno laboral y en el modo de vida: todo ha cambiado, incluso el modo de narrar, las nuevas formas audiovisuales mostradas con la “invasión” del móvil por ejemplo, incluso el TikTok o el gran decorado de la venta de pisos. 

Los personajes se mueven sin parar, incluso usan el autobús como ocio barato para pasar una tarde de cita, ese autobús desde el que los pobres ven la zona rica. La canción Father and Son de Cat Stevens es el colofón de este largo largometraje. 

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TALENTO PARA MATAR

Anton Corbijn, Suiza,106 Min. 2026 

TEATRO CERVANTES, SEMINCI, Intriga, 

Un joven agente literario Ehrenreich es enviado a Suiza para convencer a Patricia Highsmith (Helen Mirren) de que escriba una ultima entrega de la antología de Mr. Ripley. Un homenaje divertido, elegante y entretenido. Un noir que trata de revivir la obsesión de Patricia por crear personajes retorcidos. Mirren da vida a una deliciosamente amarga Patricia. Una novelización sobre la autora que trama un asesinato junto con un editor ambicioso en una historia trepidante y una retorcida aventura. Drama ingenioso que juega con las expectativas del publico a la vez que mantiene en vilo a sus personajes. A su modo puede verse como una sexta entrega de Ripley, que la propia Highsmith aborrecería.

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UN BON PETIT SOLDAT 

Stephane Brizé, Francia,102 Min. 2026 

TEATRO CALDERON, Seminci, Mundo laboral

Premio Mejor Guión en Venecia. Premio Mejor Actriz a Alba Rohrwacher de la que destacan “su interpretación sensible y completa de una mujer ejecutiva, ambiciosa, atrapada en un mecanismo de dominación en el que es a la vez cómplice y víctima, verdugo y oprimida y ha señalado que la sutileza de su trabajo es mas que una interpretación, es una encarnación”.

 La música es un buen aliado del relato, comienza con una versión trepidante de Ramones de “What a wonderful world” y después versión del propio Amstrong y el uso de la percusión. 

Recursos “inhumanos” al servicio de la creación de un vídeo de publicidad de una aseguradora que nos da un baño de realidad en medio del salvaje capitalismo. La competitividad laboral en su extremo.

Carla (Alba Rohrwacher) es la última incorporación a la empresa en el equipo de recursos humanos, el ultimo eslabón de una cadena que desconoce y la vulnerabilidad que vamos descubriendo con ella a lo largo de la película. Porque pronto se topa con el narcisismo del presidente de la compañía (Vincent Lindon) y con la táctica de supervivencia del comité directivo. Ella intenta cumplir con su deber, ser eficiente y generar bienestar para los trabajadores, pero ellos no quieren valores ni justicia, ni iniciativas para mejorar, sólo quieren captar clientes e incrementar su cuenta de resultados. Se entremezcla con el trabajo de Carla su difícil vida familiar, recién separada con un niño de unos 8 años con el que solo puede mantener relaciones de whatsapp y videollamadas. Una vez mas una mujer haciendo equilibrios para “sobrevivir”.

Un drama con momentos de tensa sátira. 

LA VIOLINISTA

Ervin Han y Raul Garcia, Singapur, 113 Min. 2026 

TEATRO CALDERÓN, SEMINCI, Animación, 

Mejor Película en el Festival de cine de animación de Annecy. Raúl García fue el primer español en la factoría Disney, y muchas otras primeras veces, hasta esta primera coproducción Singapur-España. Segunda vez en este festival que una película de animación entra en competición, la primera fue Persépolis de Marjane Satrapi.

Porqué una celebre violinista ha tocado durante 40 años el mismo violín, es la pregunta que consigue hacerle un periodista valenciano a Fei al final de su exitosa carrera profesional. La violinista es una historia de amor entre Fei y Kai, un huérfano y una niña de clase media-alta en el Singapur de los años 30 a los que la ocupación japonesa separa sus vidas en su juventud, sirviendo cada uno de distinto modo a la liberación de su país. Kai se va al frente y Fei solo conserva de él su violín, en sus notas perduran sus dos pasiones la musica y el amor que los une pese a la distancia. 

Una vida narrada en el tiempo que va desde los años previos a la II Guerra mundial, dentro del dominio británico, hasta 2018. 

Una película tradicional en dos dimensiones, algo poco habitual hoy, pero con movimientos de cámara dinámicos en tres dimensiones para los fondos, generados por ordenador. Eso aporta épica a la narración, dice el cineasta.  

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AQUÍ

Tiago Guedes, Portugal,205 Min. 2026 

TEATRO CERVANTES, Distopia, alegórica, 

Mención Especial en la SEMINCI, por ser una obra de “ambición visual y narrativa que a través de un universo casi atemporal transforma su material de partida en un mundo plenamente propio, guiado por la valentía artística”.

Basada en la trilogía “La vida de Jesus” del Nobel JM Coetzee, que la escribió en español antes que en inglés, para cuestionar la hegemonía de su lengua literaria, y demuestra su querencia por el idioma de Cervantes de cuyo “Quijote” es admirador. Del mismo modo exigió que la película se rodase en español. Coetzee cuenta la historia de una tierra sin memoria, donde cada recién llegado empieza de cero.

Simón (Manolo Solo) a modo de San José se hace cargo de un niño con una imaginación que desafía las reglas, David (Daniel Elias), en busca de su madre y la encuentra en Inés (Patricia Lopez Arnaiz) y juntos formarán una peculiar familia para proteger y acompañar al niño. David tiene dones especiales, hacer preguntas, jugar bien al fútbol, la danza, el liderazgo colectivo y demuestra su pericia para encandilar a mayores y pequeños, para desconcertar con extrañas peticiones. Lleno de apuntes alegóricos, como el cordero pascual comido por el lobo, las luces como estrellas, el diablo seductor y criminal (Dimitri). El equipo de la película habló en la presentación de la película como un “mundo-no mundo” y de asumir que “lo que importa es el momento que estamos viviendo”. Los actores destacaron “la calidad literaria de un guión muy sólido, de una calidad brutal… de la atmósfera fuera de lo común y la extrañeza de la obra” que su director ha logrado trasladar de la obra de Coetzee.

Escenarios fabriles enigmáticos y existenciales a modo de cuadros escénicos, una derivada de la dedicación al teatro de Guedes. Apariciones estelares de Sergi Lopez y de Angela Molina que iluminan breves escenas. Un cine alegórico, y un estupendo homenaje a Manolo Solo en su última película.  

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I RARELY WAKE UP DREAMING

Isabelle Stever, Alemania, 102 Min. 2027 

TEATRO CALDERON, Seminci, Transexualidad, 

La guerra de Ucrania vivida por una pareja queer, rodada desde el inicio de la invasión en 2018 hasta 2025. Olya y Oleh eran pareja siendo ambas mujeres hasta que el segundo transicionó a hombre. Su nueva identidad en ese contexto bélico le obliga a ser reclutado como soldado, cuando intenta irse a Alemania los papeles de diagnóstico psiquiátrico no le sirven. Oleh harto de vejaciones decide irse a la guerra mientras su pareja le pide que retome su identidad femenina temporalmente. En el cuarto de al lado un bebé llora desconsolado y cuando van a mirar qué sucede se encuentran una nota en la que su madre pide “Llévense al niño donde no haya guerra”.  La generación perdida de la cronificada guerra de Ucrania busca opciones de futuro con inciertos destinos.

La directora dice que “no muestra la violencia de la guerra directamente a través del sufrimiento de las personas, pero pone en imágenes lo que ocurre cuando la guerra invade tu vida”, y muestra lo que sucede “cuando el espacio en el que puedes ser quien eres se estrecha”.

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HERMANAS

Ione Hernández Saenz, España, 102 Min. 2026 

TEATRO CALDERON, Seminci, Drama, 

Ópera prima, en la dirección, de Ione, tras larga trayectoria en cortos y documentales. 

Aquí Ione pone a prueba el vinculo entre dos hermanas, Chelo (Enma Suarez) y Marta (Elena Anaya). La noche de San Juan ocurren los hechos que cambiarán el resto de sus vidas. El narcisismo de las menores con los móviles, el tonteo con las drogas de los jovenes y las diferencias de las vidas de ambas hermanas nos conducen al eje de la película: la eterna duda, la verdad, las sospechas y las incertidumbres…  Una niña de 13 años y tres adolescentes, los primos, acuden a la fiesta nocturna de San Juan en la playa, sin sus padres, y tras los excesos festivos habituales la noche desemboca en un inquietante suceso, la sospecha de que la menor ha sufrido una agresión sexual. A partir de ahí, entramos en la ruleta de que se debe hacer y que no y sobre todo que haríamos si estuviéramos ahí. 

La hermana mayor quiere proteger a sus hijos y la única que se escapa es la hija mayor Genoveva, que no renuncia ni al vinculo emocional ni a la ley. 

La película trata sobre el consentimiento y el abuso, sobre su huella imborrable como bien conoce Marta, con la contención, lo no dicho, lo sugerido, lo dado por sabido que suele ser tan usual y tan limitante en los entornos familiares.

El abuso de menores, las violaciones, y las denuncias falsas flotan en la temática. Con la alarmante cifra final “1 de cada 5 menores sufre agresiones sexuales” y “el 80% de esas agresiones ocurren en el entorno mas cercano con personas de confianza”, según reza el final del film “Un monstruo amable”.

Película realista con sensibilidad y solvencia, con un solido guión y unas actuaciones magistrales, que combina el drama familiar con elementos de thriller, tratado con naturalidad aunque afronte hechos tan graves. 

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QUEEN AT SEA

Lance Hammer, Reino Unido,121 Min. 2026 

TEATRO CARRIÓN, Alzheimer, vejez, 

Los dos actores que interpretan el matrimonio mayor ganaron el Oso de Plata  a la mejor interpretación de reparto. Amanda (Anna Calder-Marshall) nonagenaria con demencia, vive con su segundo marido Martin (Tom Courtenay) que la cuida a diario. Su hija (Juliette Binoche) y su nieta los visitan y los encuentran  en la cama en pleno acto sexual.  El amor y el sexo en la vejez y como entender el consentimiento desde una persona con deterioro mental, hilos tratados desde distintas “teorías”, ante alguien que no “entiende” ni “entendemos”. Su hija no puede admitir que su madre mantenga relaciones sexuales y llama a la policía que inicia el protocolo de agresión sexual. Esto provoca la exploración medica dolorosa de la anciana, la separación y detención del anciano, y a partir de ahí se encadenan tomas de decisiones tantas veces tomadas desde fuera, por miedo, aludiendo a la seguridad, sin tener en cuenta a las personas implicadas y lo que puede ser “mejor” para ellas. 

Tres generaciones y tres momentos sentimentales: la plenitud de los ancianos, la ruptura de la mediana edad de su madre y la ilusión del comienzo de la joven. Contrapunto lírico en su banda sonora impregnada de musica culta, la que los unió en su primer momento de viudedad a lo que se añade que él era ingeniero de sonido, eso aporta ternura frente a lo doloroso, a lo vulgarizado, a lo descarnado… 

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LA GRADIVA

Marine Atlan, Francia, 145 Min. 2026 

TEATRO CERVANTES, SEMINCI, adolescencia, escolar, 

Ganadora de la semana de la Crítica en Cannes. En la SEMINCI Espiga de Plata. El jurado reconoce “su riqueza narrativa que combina con maestría el naturalismo y lo novelesco, los arrebatos líricos y las profundidades mitológicas, las verdades sociológicas y los vértigos metafísicos y ha destacado especialmente su elenco de actores y actrices”. También en la SEMINCI Premio al Mejor Montaje por “como el ritmo de la película se construye de la mano de las emociones, manteniendo un pulso dinámico entre lo que sucede dentro y fuera de los personajes y logrando que el espectador forme parte de ese viaje emocional” y Premio SEMINCI Espiga Arco Iris a películas de contenido LGTBIQA+ porque “se dedica a escuchar desde el corazón a una generación víctima de un sistema que oculta las realidades individuales y colectivas. Reconoce la capacidad para retratar desde la honesta curiosidad a una juventud que a pesar de todo mantiene la belleza y recuerda que no todo está sucio”

Ópera prima, en la dirección, de Marine Atlan. Un debut que adopta un enfoque documental para analizar la dinámica de un grupo de estudiantes en su viaje de estudios previo a la universidad, por la ciudad de Nápoles y Pompeya, que facilitan un viaje cultural acercando la fuerza transformadora del arte.

 El concepto de “La Gradiva” lo usó Freud para analizar, por recomendación de Carl Jung, una historia sobre un bajorrelieve romano vinculado a Pompeya, y con él explicó como funciona la represión, los sueños y el despertar del sueño latente. También fue una musa para surrealistas como Dalí o Bretón, una mujer que camina entre la realidad, el sueño y la muerte. Es lo que trata de mostrar la película en ese acercamiento a la adolescencia y a sus descubrimientos, el descubrimiento de su propio cuerpo, sus propios deseos, sus propias emociones, tan nuevas y tan desconocidas hasta esos momentos Coming-of Age.  Tras dos años de castings por institutos, manifestaciones juveniles y lugares de ocio juvenil empezaron a trabajar el guión, guionista y directora, con los propios actores no profesionales, discutiendo mucho sobre sus interpretaciones del mundo y de temas sociales, fueron configurando las temáticas que decidieron desarrollar en un viaje de fin de curso. 

Interacciones cotidianas, desde beber hasta bailar, que rinden homenaje a las intensas experiencias de la juventud retratadas desde el acercamiento a múltiples personajes, con sus anhelos e inquietudes, sus flirteos y enamoramientos, sus dudas e inseguridades, su euforia y su soledad. 

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WOMAN UNKNOWN

May el-Toukhy, Dinamarca,124 Min. 2026 

TEATRO CALDERON, SEMINCI, Drama, 

Ganadora del León de Oro en Venecia. En la primavera del 45 Dinamarca celebra la liberación de los alemanes, y Mary (Mathilde Arcel, copa Volpi a mejor actriz) atraviesa duros momentos ahora que siendo criada en la casa rica de un empresario, se va a casar con él, y pende sobre su historia el haber tenido relaciones con un soldado alemán, ahora que las mujeres son vistas como traidoras colaboracionistas nazis si se conoció o sospechó que tuvieron relaciones con soldados alemanes, todas esas mujeres eran vejadas en la plaza pública. En realidad no es la historia de Mary, es la historia sobre como fue el convertir el comportamiento sexual de las mujeres en una afrenta a la identidad nacional. Un drama sobrio y duro sobre la caza de brujas, el miedo y la culpa de las mujeres. Una dureza que nace de la precisión con que la violencia se cuela en conversaciones amables y gestos aparentemente civilizados. Una visión precisa e iluminadora de las numerosas concesiones que las mujeres han tenido y siguen teniendo que hacer para salir adelante. 

La base de la historia es una foto en un periódico de 1942 de una mujer con una esvástica pintada en la espalda, que encontró la directora del film. En Dinamarca y en toda Europa “la experiencia femenina ha recibido muy poca atención en los libros de historia y en el cine … ahora tengo la esperanza de que se cuenten mas relatos sobre las mujeres y sus experiencias”.  En cuanto al trabajo actoral de Mary “hay muchas escenas en las que contiene el aliento para crear una sensación de claustrofobia y transmitir el miedo del personaje… intentamos contextualizar al personaje… está desesperada por resolver su`problema y esa desesperación le lleva a hacer cosas que quizá no sean sensatas y no siempre resulten empáticas”. 

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UNA FAMILIA 

Ricardo Gómez, España,95 Min. 2027 

TEATRO CALDERON, Seminci SO Fuera de concurso, Drama, 

Ópera prima en la dirección de Ricardo Gomez, el Carlitos de “Cuéntame”. En los años 90, en barrios de la periferia de Madrid, que marcaron la biografía del propio director, una familia compuesta de padre, madre e hijo aparece en tres momentos de su historia: el niño actor en una película, un joven que sale de la cárcel de permiso, cuando la pareja se conoce, y por último una dolorida mujer en el bautizo de su hijo. 1 día en la vida de cada uno de los tres miembros de la familia. Rodada en 16 mm en analógico para dar mas presencia a la década retratada. El director quería jugar con el punto de vista de los tres protas, “y con 2 juegos de ópticas para meternos más en sus cabezas. Son tres atmósferas y 3 universos que conviven y mantienen una cohesión”. 

Dice el director “para mi la ficción es más interesante que la realidad… me he inspirado un poco en mi madre y me interesa ver las diferentes maneras de entender la familia y como jugamos con esa idea, que es ficticia: la familia perfecta no existe”. 

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THE ECHO CHAMBER 

Andrea Pallaoro, Italia, 120 Min. 2026 

TEATRO CERVANTES, SEMINCI, Drama romántico, 

El ultimo guión de Bertolucci, dirigido por Pallaoro. Un lujoso apartamento de Londres es el escenario de la película al completo, con tres personajes, Leo (Luca Marinelli) adicto y atormentado productor musical, Ava (Susan Sarandon) una veterana cantante y Anne (Alicia Vikander) una enfermera que lo cuida. Honda y desgarrada tragedia sobre el dolor, el amor, el deseo y la dependencia, la pasión y la posesión; sobre el arte y la adicción. Película triste y sensual, claustrofóbica con un final chocante y un tanto extravagante. 

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